這篇是在 2010.07.31就寫好的，
今天才從草稿匣中發現，修改發佈。

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這個週末難得「很想」往外面衝，下午搭了車就去國美館看展。

等車加轉車，到美術館時已經快四點了，好在週六開放到晚間六點，還有兩小時可以晃晃。我在文化中心那一側下車，穿過碑林廣場，延草坪而上。過了公廁，眼前映入橄欖球狀的鮮紅公共藝術，看它的色澤，和外圍圈起的警戒線，「嗯～應該是新的。」它坐落在無邊際的鮮綠草地上，格外地顯眼。

半年前試著做Hypo ticket，成品很另我滿意，還寫了一篇文章《我的Hypo Ticket！》來分享製作心得與建議。當時，我極推崇Hypo的製作品質，但明信片大小與張數並不適合當名片使用，所以仍然希望廠商能推出類似moo小卡的服務(moo和Pingcard僅7.2cmx2.8cm)。

先前有想過製作國外的moo小卡，但一套100張含運費約八百元，換算下來，一張的就要八塊錢。小小一張卡片就要八元，要發的話還真不捨得啊。再來，我沒有信用卡，無法網路購物。國內雖然有推出類似的服務－PingCard，但圓角的外型並不符合我胃口，網友對成品的評價也讓我卻步。

（上圖：漢神巨蛋）

「高雄世運將於7月16日開幕，鍾裕淵表示，為了開閉幕儀式，公視已經租用4顆衛星，以達成全球5大洲收視零時差的轉播計畫；而且為了世運轉播，將動員上千人次的工程技術人員，動用全台的高畫質轉播車與攝影機，出動超過30輛OB車，這是台灣電視史上最高規格的轉播。」（中央社）

今年的新一代設計展辦得滿盛大的，共分兩個展聽舉行，別為於世貿一館與三館。大體而言，本屆設計展依舊有可看性，可是讓我想花錢購買的小玩意少之又少，頗令人失望。此外，世貿一館和三館參展學校的素質落差很大，可謂主流與二流之分；三館人潮明顯少很多，可看性也少很多。


我覺得此次實用性與可買性較高的是某科系設計的日記本，它外觀俐落、簡單，最特別的概念是，當中每一頁接近書背的地方皆附有膠條，方便使用者將平日拿到的小東西，例如同學送的小卡、重要的便條或撿到的楓葉貼在上頭，可免除純粹夾住會遺落的疑慮。這款日記本可在系所官網預購，售價依預購數量而定。（下圖為同科系的另一項產品，發票盒。）

World Builder這個小品是由Bruce Branit所製作，雖然片場僅僅十分鐘，拍攝時間也僅僅一天，但後製卻長達兩年之久。影片內容描述Branit在有限的時間內為建構出一個城市，這一切都是為了他所愛的人...

[上圖由《意慾蔓延》khc網友拍攝]

剛剛掃到這個網頁，LX3的拍攝效果真的很令人驚艷啊！
更多他拍的照片可以在這裡看到。

原本要去中正紀念堂看安迪沃荷的畫展，可惜大家上午看完樓蘭都累了，只在中正紀念堂晃晃。第一次進去，沒想到裡面挺大的，且中國味十足。









雖然沒進去看展，但倒是是紀念品區買了個香蕉圖案的鑰匙圈。


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11/27《馬可波羅》於清大合勤演藝廳演出。此劇是台北大稻程台原偶戲團的經典作品之一，內容改編自著名《馬可波羅遊記》，講述一位義大利冒險家和中國元代宮廷奴婢之間的愛情故事。

一踏進合勤演藝廳，還滿不習慣木偶戲舞台呈現方式。整個戲台可能只有一雙手張開的寬度，遠遠看去小小一個，很難想像這會是等會兒要演出《馬》劇的空間，傳統布袋戲的戲台可能都比它大上十倍以上。舞台的後面架設比戲台寬三倍的黑幕，方便表演人員幕後活動，左右兩方各設立兩座小型投影幕，一側放映字幕，另一側則為轉播台上木偶的特寫。不過由於解析度不甚清晰，畫面模糊，我很少將目光放在特寫鏡頭上，這點有待主辦單位改善。

這齣劇可以視為現代版本的布袋戲，台語為主要的發音語言，並穿插義大利文和極少部份的國語。因為這個故事以異文化之間的交流為起點，語言的差異正好不時為戲劇增添趣味。除了布袋戲為主要元素，演出過程中還包含西方歌劇與台灣歌仔戲元素，三者形式雖各異，但在此劇中卻意外調和。比如，當劇情走到主角馬克先生初見宮廷奴婢，對婢女的相貌驚為天人之時，黑幕後方左右兩邊各走出兩位真人，一男一女，男方以歌劇演出讚頌女子之美，女方則以歌仔戲回應之，真人的一搭一唱配合小小戲台上木偶擬真的演出，效果令人眼睛一亮。

憑藉著此劇的跨文化性，《馬可波羅》已於荷蘭、西班牙與美國華府等地演出，在前兩國演出時，每天都有三四百人排隊等著入場，可謂台灣之光。透過傳統與現代、中外的融合，這齣戲已經完全跳脫出我以往對木偶戲抑或是布袋戲的想像，對這類戲劇的未來不但不悲觀，反之具備進入國際的實力。

基於版權與學術倫理考量，今日講者王耀庭老師無法將上課投影片供同學參考。不過，我手邊剛好有以前上中國藝術史「宋代繪畫」的投影片，製作者為盧慧紋老師（現為台師大藝研所教授），裡頭圖片可供同學參考，但為避免徒增困擾，請勿將此檔案流傳，謝謝！

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第一階段評選結果

【入圍者名單】
1. Morphosis Architects / Thom Mayne。國籍：美國。
2. Jose Ignacio ABALOS。國籍：西班牙。
共同投標者：Renata Sentkiewicz。國籍：西班牙。
(ABALOS+SENTKIEWICZ ARQUITECTOS)
3. Office for Metropolitan Architecture(OMA) STEDEBOUW B.V / OLE SCHEEREN。國籍：荷蘭。

【佳作名單】
1. JAKOB + MACFARLANE(SARL ARCHITECTURE) / DOMINIQUE JAKOB。國藉：法國。
2. URV 首府建築師事務所 / 葉宏安建築師。國藉：臺灣。
3. MVRDV bv（LLC）/ W.G.M. Maas, J. J. van Rijs。國藉：荷蘭。
共同投標者：大元聯合建築師事務所 / 姚仁喜。國籍：臺灣。
4. Zaha Hadid Architects / Patrik Schumacher。國藉：英國。

此次競圖堪稱台灣有史以來最多世界建築名師參與的競賽，從設計水立方的澳洲PTW建築事務所、CCTV電視台的荷蘭大都會建築事務所（本階段評審獲第三名），到活躍於全球各大競圖活動的扎哈哈蒂（本階段獲選佳作）等，競爭之激烈，精彩可期。由於第一階段的競圖細節不公開，所以暫無法得知這些名家作品的真實樣貌，欲一窺這些作品還得等到明年一月中競圖結果揭曉之時。不過，可以期待的是，大師相互競爭之下必定會替台灣帶來另一個吸引世界目光的焦點。

[上圖：劉振祥攝，雲門舞集《薪傳》]

清華大學藝術中心1988年成立至今已二十載，展出過上百檔的視覺藝術。我記得藝術中心賴小秋老師曾說，清華大學藝術中心成立旨在提供所位欲展示作品的藝術家展演場地，而非以商業利益為考量。這個場地雖小，但展出內容往往充實，且令觀者充滿感動，從這裡就可以看出藝中人員的用心。此次參展的藝術家包括劉振祥、李亮一、楊仁明、鄧文貞、吳松明，他們皆曾在藝術中心辦過個展，透過《前瞻與回顧-二十週年特展》，主辦單位再次將這幾位先進齊聚。

在這五位藝術家中，我最喜愛楊仁明的作品。他《裝月光》系列作品中瀰漫著超現實主義氛圍，各個幾何色條於深邃的黑色背景中交疊穿梭，在二維平面中製造出三度空間的錯覺，靜靜凝視之後，你會感覺彷彿看到宇宙的五彩靈光，每一道靈光皆奮力地往畫面前方衝，力量扎實且銳利，震懾人心。另外，我也喜歡劉振祥的攝像作品；表演工作者在他鏡頭的詮釋下，演人、舞者於舞臺上的張力更大了。

距《前瞻與回顧》特展結束已剩無幾天，大家可以把握這難得的機會，重溫大師的作品。

11/8當天南下台中看紀錄片影展，由於播映地點位於美術館和文化中心，觀影完畢後乃順道至美術館看展。國美館當期的大展為「家─2008台灣美術雙年展」，當中最另我咋舌的作品是袁廣鳴「逝去中的風景」。這個作品以三部攝影機固定於纜索上，攝影機沿著纜索穿越袁廣鳴的現宅、隔壁的廢棄屋以及鄰近的森林，另取材自他來往台北市的必經道路，這三組畫面各投影於三面相連的大型投影幕上。森林的瑟靜、自宅的溫馨與街道的速度感交叉輪映，構成視聽覺的絕妙饗宴。

袁廣鳴自白，妻子於屋內講電話、父親獨自跳舞都意味著時間的流逝，藉由攝影機硬性地「穿越」這些場景，象徵著觀者隨著攝影機「穿越」這些正在消失的時光。再者，由充滿人情味的空間至無人煙的廢墟，從慢速播放的森林到快轉的道路等場景的轉換，則象徵著安穩中隱藏的憂患。時間的流逝以及對自我存在狀態的憂慮一直都是袁廣鳴作品欲傳達的訊息，在「逝去中的風景」中可以看到兩個元素的充分表達。

就我看來，這個作品不僅在「時間上穿過時間」，而且也在「空間上穿過空間」。攝影機這個技術物本身就佔有空間，它在入侵住宅、廢墟、森林與道路之前就紀錄有其它時間與空間，換言之，當它穿越這些場景時，它是帶著空間元素（機子自身、機子錄下的東西）去穿越現在正在穿越的空間（住宅、廢墟、森林與道路）。

此外，藝術家不單單以一部攝影機而同時以三部攝影機入侵，分別詮釋同一空間的左、中、右三視角，這意味著統一的空間被撕裂開來，攝影機穿越的是個破碎的空間。當觀者站在巨大的投影幕之前時，他無法全面關注所有的影像，僅能聚焦在其中一個視角上，當我們將焦點放在左邊，中間與右邊的時間將被忽略。僅能聚焦、甚至執著於某一件事上，這不是我們生活中常常在發生的事嗎？詮釋世界的方式那麼多，但我們總是選擇我們所看到的東西來詮釋，而輕易地否認其它立場。這個作品不但激發我們對時間的關懷，還幫助我們省思內心。

Poladroid是將數位照片轉化為底片相機色調的軟體。打開應用程式後，會有一台Poladroid相機出現在你的桌面，接著將任何數位照片丟到Poladroid上，Poladroid就會「仆咚」跳出一張全黑底片，然後靜待圖案逐漸浮現。當圖案完整浮現後，Poladroid為自動為您的檔案儲存。這是個非常有趣的軟體，有興趣者可至這裡下載。轉換出來的圖片效果可以參考圖一、圖二、圖三、圖四。跳轉後看示意圖。

週四(11/13)賴聲川老師來清大合勤演藝聽演講，因為晚餐吃得有點久，過去時講廳人數已滿，只好移往二樓遠距教室觀看轉播。

老師說，他以前出國念戲劇時，父母不但沒有阻止他，甚至支持他朝這方面發展。他在柏克萊唸了五年，攻讀碩博士學位，但在第四年時卻碰上了瓶頸。他隨著同學、朋友觀賞一部部他們口中的佳作，或那些公認為大師級的作品，但卻不覺得好看。一個學戲劇的人，可是卻無法從戲劇中找到熱情，他認為這是個警訊，他知道自己的狀況不好。

為了跳脫出瓶頸，老師推薦他到荷蘭與當地一位劇場大會見面，並觀賞一部他導的劇。這部戲的景場只有一個，那就是公共廁所，所有故事皆發生在廁所打掃員身上。雖然賴老師聽不懂荷語，但他感受到現場八百位觀眾隨著劇情發展的集體波動，一起歡笑，一起沈靜。這種經驗跟他在美國看百老匯歌劇時完全不一樣，看歌劇的幾乎都是外地遊客，沒有一個橋段可以引起所有觀眾的共鳴，一會而是左邊的群眾笑，一會而是右邊的群眾笑，但就是沒有共鳴。

賴老師開始思考這個問題；「戲是麼？戲的目的在幹麼？」他知道，藝術家與社會的聯繫必須建立，否則無法構作成功的作品。於是，他決定向荷蘭劇場大師學做劇場。也就是在那時候，賴老師開始學習所謂的集體創作，時至今日，這一直都是二十年來沒間斷過的創作方式，成就他三十幾部戲劇。

賴老師回台灣後的第一個作品是1985年於台北藝術館（南海路上）發表的「那一夜，我們說相聲」，以相聲的演出方式來詮釋相聲的興衰到，探討傳統表演藝術在神不知鬼不覺情況下消失的窘況。正如賴老師所言：「你失去了某個東西，但你卻不知道你失去了它。」這種情況多麼詭異，但它卻無時無刻地在我們身旁發生。沒想到「那一夜，我們說相聲」出乎意料地成功，甚至在加場演出尚未正式公佈的情況下，購票人潮就已在國父紀念館外大排長龍；連錄音帶熱賣的程度都超越當時的流行音樂，夜市盜版猖獗，版本各異，有的標題甚至被改為「李立群、李國修大爆笑」，令賴老師啼笑皆非。

之後的「暗戀桃花源」延續這股熱潮，至今已成為表坊的代表作，還拍攝成電影。這齣戲紅遍中國大陸，連美國著名劇團都有意商請賴老師指導演出。

在老師回憶的表坊演出中，另我最印象深刻的莫過於「如夢之夢」。這部戲演出時間長達八個小時，從下午兩點到晚上十一點，中途還放飯。演出後，賴老師總感嘆好在台灣人有那麼一群愛看戲的人，在國外還不一定做得來。

聽完這場演講，最大的收穫是賴老師對藝術創作的觀念符應於我現在在做的論文。我的論文旨在討論藝術創作過程中的情感機制與地位。藝術兼歷史哲學家科林伍德(R.G. Collingwood)指出，真正的藝術之所以為藝術，不在於它具有激起觀眾情感的特質，也不在於它具有實際效用，而在於它純粹的藝術動機，即表達藝術家及群眾的情感。賴老師也指出，真正的藝術家不是坐在導演位子上想得獎感言，也不是想說上映後會有幾億票房，而是去實現他的理念、想法，去和觀眾溝通、產生聯繫。創作的動機無二，只有為藝術。

這次的展覽共分為三個區域，靠近門口的一區展示葉錦添的攝像作品，另外兩區則放映葉錦添於北京策展的紀錄片以及自己拍攝的短片。我在數十幅平面影像作品中感覺到寂靜、荒蕪，且充滿詭異氛圍。這些作品遍及台灣、大陸、歐美，人體是當中共同（或者說是重要）的元素，這些模特兒般的假人有的站在荒廢的櫥窗中，有的特寫以私處，有的影像極度清晰，有的卻模糊到快看不出來她到底是什麼。原本應是冷冰冰的軀體，卻看似有溫度；原本應是讓人退避的詭意氣氛，卻讓人想親近。這些場景似乎再現了我們內心最真實、深刻的情感，以至於我看到她時不是逃避、而是凝視、面對。她（我）在幹麼？她（我）怎麼了？

在紀錄片中，葉錦添這麼說：「我做雕刻，是為了讓不可見的東西可見。」

他認為，藝術家的功能在於將自己心中那若隱若現的東西，以適當的素材，經過藝術家的雙手，琢磨、修飾，直到它呈現出他想要的樣子，並讓你、讓其他人看到。如果那個東西只在藝術家心裡，一切枉然。紀錄片中確實看得出他在這一點上的要求，他將他心靈中的美藉由「東方五官」的西方模特兒例示出來，其四肢、手腕、頸部皆可轉動。葉錦添取其最美麗的姿態，替他們穿上各種服飾，拍照。

從某個面向來看，這樣的作為跟變態沒兩樣，但藝術家不正是在瘋與不瘋之間，在狂與不狂之間？但藝術家跟瘋子真的沒兩樣嗎？當然有。其中的差別在你實際觀看葉錦添的創作過程時，就可以很明顯地感覺到---你在這個過程中感覺不到任何不舒服，而是愉悅。

在展場最裡面的一區則重複播放同一個片段。車子開在林蔭遮蔽的馬路上，鏡頭朝著正上方，陽光穿過樹葉四處散落、閃耀。好舒服、好平靜，坐在前面五分鐘肯定昏昏欲睡！

在德國柏林猶太博物館中，有一件名為"Shalechet"（德語：落葉）的常設裝置藝術，作者為色列藝術家Menashe Kadishman。

這件作品是為了紀念第二次世界大戰時期，猶太人大屠殺事件。藝術家以厚達三公分的鋼為媒材，製作出一萬個不同的面孔。有的面容眼睛睜得大大的、嘴大也大大的，彷彿正因凌虐而哀號；有的眼睛瞇著、嘴巴小小的，像閉著一般，似乎靈魂已經他離去。這一個個面孔雖然非寫實，但象徵性意義重大的他們，當全部被攤在地面上時，其震撼力更大。加上鋼鐵沈重、冰等的特質，讓展場分為更加凝重、哀傷。在展場規劃方面，藝術家別有用心地將他們舖疊於館中必經之道上，當然，允許遊客踏過，以模擬當時猶太人身受的折磨。雖然我不是猶太人，亦非德國人，但我能夠臆測踏在上面帶給人們的感觸有多深，有多麼不捨。

我第一次看到這個作品是在《遠見雜誌》上，將近四分之一版面大的圖片佔據視覺中心，無數無辜的面容望著我，我先是打冷顫，接著眼眶微濕。當回宿舍打這篇文章、搜尋圖片時，同樣的感覺又來一遍。雖不至於落淚，但在我的印象中，沒有一件作品那麼另我動容。單是看到照片就如此，站在現場又會怎樣？

因為上述體驗，讓我好喜歡這個作品，好喜歡Menashe Kadishman這個藝術家。希望有一天我真的能站在上面，感受藝術加的情感、釐清自己的情感。我，如果不是猶太人，為何如此感動？

（上圖：洪東標，霧中行旅 2007，40 × 30cm）

「台灣的森林」水彩畫展在交大藝術中心已經展一陣子了，雖然每次在一餐吃晚餐都會經過，但總是懶得進去看。今天去交大時，剛好在清交小徑碰到賴小秋老師，老師說他剛看完，推薦我去，而且現在去「正精彩」，因為畫家正在現場作畫，我到時應當差不多收筆。老師還翻了他手中的手冊，告訴我正在畫的是哪一位畫家。聽老師那麼推薦，也答應老師了，就去看看吧！

一進藝術中心，果然看到一位畫家在中庭作畫，旁邊圍了十幾位觀眾（婆婆媽媽特多...）。這位是謝明錩老師，現任台灣藝術大學美術系副教授，他正以花卉為主題，示範水彩揮毫技法。他說，好的水彩畫要「近看層次豐富，遠看自成系統。」近看時，可以發現色彩的不同層次，都是綠色，但有濃有淡、有各種明度和彩度，但是把距離拉遠，卻有只看到三四個大色塊，重點明瞭，清晰而不雜亂。

走到樓上又看見另一位老師在作畫，這位是洪東標老師，現任玄奘大學視傳系教師，也是中華亞太水彩藝術協會理事長，他繪畫的主題是傳統村風情，以古老的四合院為核心了。主辦單位很用心，安排的示範中，一位寫自然，一位畫人文。相較之下，我比較喜歡洪老師的作品，因為畫面簡單，情感卻深厚。不過，可能也跟主題有關吧，謝老師以自然為題材，情感理當不易帶出。

不過，此次參與展出的畫家並不只這兩位，尚有中華亞太水彩藝術協會會員多人，這些畫都是他們森林寫生的具體成果。其中有一幅直式繪畫，以瀑布為主題，我超喜歡的，因為這幅畫頗大，佔在它前面，彷彿真的站在瀑布下一般，氣勢驚人。再者，他的水花細緻、清透，好像真的會潑出畫面一般。

本畫展展出日期至10/19止。（下圖：郭進興，森林博物館2006，56 × 76cm）

台北是的藝文人口眾多，但大型國際水準的演出場所只有「國家戲劇院」和「國家音樂廳」，每個表演團體都要搶檔期，早已不敷使用。為此，台北市政府計畫興建另一棟國際級的表演場地，名為「台北藝術中心」。台北藝術中心的全名應為「台北表演藝術中心」，亦即，以提供表演團體完善的演出空間為主要目標，中心內設有三個廳，分別為一千五百人大劇院一座，八百人中型劇院兩座。至於本建案為何不包含音樂廳，那是因為南港以計畫興建流行音樂中心，預計明天開放競圖。

本建案基地位於車水馬龍的士林夜市旁，鄰近士林捷運站，為承德路、劍潭路所環繞，台北市長郝龍斌最後選定此地，即出自交通與觀光考量。不過，如何將捷運站、夜市與藝術中心做一完美整合，勢必是每位建築師需面對的難題，也是出線的關鍵。

本計劃案由台北市政府首次辦理國際競圖，設計費高達五點七億元，建設費更高達三十八億，勢必會吸引國內外大師級建築師加入角逐行列。也期待繼台中大都會歌劇院、高雄衛武營藝術中心、故宮南院後，台灣能多個具國際水準的建築藝術品。競圖結果將於明年一月揭曉，一零三年完工！伊東豐雄、馬岩松趕快來報名吧！！

另外值得期待的是，除了先前提過要興建的台北流行音樂中心外，台北市文化局長李永萍還預告明天連同城市博物館（捷運昆陽站附近）也會舉辦國際競圖，就讓我們好好期盼吧！